El nombre de la exposición es "Until the Wolf is There", fue nombrada así pensando en la canción infantil que dice: "juguemos en el bosque hasta que el lobo está, el lobo está?”. Luego el lobo responde qué actividad realiza para empezar su día. Mientras que el lobo se prepara los niños juegan afuera. El lobo se levanta, se cepilla los dientes, se baña y se viste. Al final, está listo para cazar y el lobo responde a los niños que ya está. Se los va a comer. Sale a cazarlos y los niños empiezan a correr.
UNTIL THE WOLF IS THERE muestra una dualidad: una rareza. Las obras se ven hermosas, pero profundizan en temas subyacentes más complejos que son el resultado de problemas sociales o personales. Tanto lo positivo (el bosque, la selva, el infante, la familia, la celebración de la vida) como lo negativo (el lobo, el depredador, el miedo, la escasez de recursos, el conflicto) participan en este juego. Algunos de los temas tratados son la privación, la migración, la guerra y el agotamiento de los recursos naturales, pero también los estados mentales que pueden derivar de estas “ineficiencias sociales”: depresión, ansiedad, aislamiento, vulnerabilidad y dificultades para sentir, entre otros.
“No todo lo que brilla es oro”,Refrán popular.
Se reflexiona también sobre la relación de estos aspectos y la infancia. Sin embargo, la exposición también muestra cómo, en contextos complejos, hay individuos o personas capaces de contrarrestar, preservar y resistir. A pesar de los sentimientos que podrían catalogar a alguien como débil, frágil o triste, entre otros; una persona puede ser bella en su fragilidad, muy fuerte y expresar amor -tener empatía hacia los demás-. A pesar de la violencia, los sujetos pueden mostrar una fuerza admirable en forma solidaridad y comunidad (cualidades claves para enfrentarse, objetar y permanecer). A pesar de los continuos actos contra la naturaleza, esta también muestra su fuerza y la posibilidad de vencer.
Finalmente, hay que decir que la belleza de las obras les da una noción de “cuento de hadas” o "realidad surreal”. Este aspecto puede parecer una belleza incómoda y esto, está en dialogo y relacionado con la ubicación de la exposición: el castillo de Langoed de Campagne.
-PARCE
El nombre de la exposición es "Until the Wolf is There", fue nombrada así pensando en la canción infantil que dice: "juguemos en el bosque hasta que el lobo está, el lobo está?”. Luego el lobo responde qué actividad realiza para empezar su día. Mientras que el lobo se prepara los niños juegan afuera. El lobo se levanta, se cepilla los dientes, se baña y se viste. Al final, está listo para cazar y el lobo responde a los niños que ya está. Se los va a comer. Sale a cazarlos y los niños empiezan a correr.
UNTIL THE WOLF IS THERE muestra una dualidad: una rareza. Las obras se ven hermosas, pero profundizan en temas subyacentes más complejos que son el resultado de problemas sociales o personales. Tanto lo positivo (el bosque, la selva, el infante, la familia, la celebración de la vida) como lo negativo (el lobo, el depredador, el miedo, la escasez de recursos, el conflicto) participan en este juego. Algunos de los temas tratados son la privación, la migración, la guerra y el agotamiento de los recursos naturales, pero también los estados mentales que pueden derivar de estas “ineficiencias sociales”: depresión, ansiedad, aislamiento, vulnerabilidad y dificultades para sentir, entre otros.
Landgoed De Campagne es una reserva natural y parque en Gante. Incluye varios biotopos como un estanque, pastizales, zonas forestales y canales, por lo que posee una fauna y flora muy diversas. La villa pertenecía a un castillo más grande, habitado por la familia Hamelinck en el siglo XVIII. Luego abandonaron el lugar porque un miembro de la familia, Louis Hamelinck fue asesinado allí. Posteriormente ha sido propiedad de la orden jesuita. En 1972, se convirtió en propiedad de la ciudad de Gante. El jardín se abrió al público y el castillo fue designado como centro cultural. En nuestra opinión, esta es una buena ubicación en relación con el tema de la exposición.
Dirección: Gijzelstraat 12, 9031 Gante.
Tamaño: 277m2 (dividido en dos salas de exposición).
ARTISTAS
PROGRAMA
Inauguración: Julio 5, 7-10 p.m.
Gentse Feesten Special: Noche de Cócteles / BBQ en el bosque:
julio 20, 5-8 p.m.
Carolina Rodríguez
(COL)
Dónde están los niños es una exposición retrospectiva de la obra de la artista quien durante más de 15 años ha venido reflexionando acerca de la posición de los niños en nuestra sociedad y como en algunos casos los medios transforman nuestra manera de verlos y relacionarnos con ellos. Carolina utiliza lápices de colores y otros materiales que nos acercan al mundo infantil, sin embargo la mirada que produce es crítica y provoca en el espectador reflexión sobre la infancia en el mundo contemporáneo.
Peter Land (DK)
PETER LAND: uno de los principales artistas contemporáneos de Dinamarca. Realiza representaciones, pinturas, dibujos, videos, esculturas con la misma tendencia de tragicomédia.
Las ambiciones y fracasos del hombre en su dificultad para encontrar el equilibrio y el significado son la fuente recurrente de situaciones y composiciones absurdas. Al mismo tiempo, oscura y divertida, desesperada y ligera, Land nunca rechaza los extremos. Nos enfrenta a nuestra propia " humanidad", recordándonos cuánto nos interesa nuestra identidad y cómo puede ser determinada por el fracaso en lugar de convertirnos en nuestro "yo".
El subconsciente y el yo se exploran al difuminar los límites entre los recuerdos y la expresión, a través de juegos y pesadillas infantiles, la desesperación y lo idílico... Lo surreal y lo grotesco encienden una alienación existencial.
El trabajo de Land se ha mostrado en numerosas exposiciones en Europa, Estados Unidos, Asia y Australia, incluyendo exposiciones individuales en Galleri Nicolai Wallner, Copenhague, Dinamarca; The New Museum, Nueva York, NY; y el Museo de Arte Mori, Tokio, Japón. Land representó a Dinamarca en la Bienal de Venecia en 2005.
Referencias:
Galleri Nicolai Wallner, "Peter Land - Showbizz (2015)"
E. Emmert et. al, "Peter Land: Absolute Perfection" Berlin: Hatje Cantz 2013.
Luis Hernández Mellizo (COL)
Lumpen, Trabajador, Aristócrata, todo en uno. Ser artista probablemente sea una voluntad de tornarse extranjero de todo. Autonomía y buenos precios. Trompe l´oeil. Todas las herramientas del artista son armas de doble filo. Un artista vendería su alma, pero nunca su tiempo. El artista aprende haciendo, como a todos se les da todo, sólo él sabe que no sabe (esto no se lo digas a nadie). La pintura es el único oficio del artista, también lo es para aquellos que han sabido hacer de no-estar-pintando una singular profesión. El oficio del artista es el arte de no trabajar. En el trabajo de Luis hay una referencia constante a la pintura. El trabajo del artista es el oficio de no saber ningún arte. En la pintura de Luis hay una referencia constante al trabajo. El arte del artista es el trabajo de no tener oficio.
Barbara Rink (NL)
En su trabajo de instalación, Barbara utiliza los elementos básicos de la pintura como componentes escultóricos. Ella disecciona la pintura en formas recortadas, degradados, líneas, sombras y luces. Estos se juntan en estructuras de aspecto frágil, que reflejan construcciones de la mente. Al sugerir diferentes momentos en el tiempo que suceden en el mismo instante, como desmoronarse y estar en construcción, investiga procesos orgánicos y cíclicos al tiempo que agrega una calidad performativa a las obras fijas. Con una perspectiva del pensamiento mágico, considera las posibilidades de la pintura y el color como un medio para explorar el espacio tridimensional.
Maite Ibarreche (COL)
El trabajo de Maite nace de un interés por localizar puntos de tensión entre la sensibilidad y el conocimiento. Se despliega en diferentes medios y formatos, desde el grabado y las técnicas de impresión hasta las propuestas curatoriales, pasando por el dibujo, collage y escultura.
Ya que Maite entiende la práctica artística como un método investigativo constelar o derivativo, su enfoque se basa en los procesos, y es principalmente a través de un diálogo intuitivo con el material que busco develar diferentes capas de sentido en contextos o elementos dados. Hacer, pensar y compilar son los diferentes procedimientos a través de los cuales ella apropia imágenes, objetos y construcciones lingüísticas.
Doina Kraal (NL)
Doina: "Una pequeña estatuilla, una figura con la espalda abultada, o una mochila y una cabeza grande, en su exterior parece amigable. Una segunda escultura es bastante amorfa; al parecer está cubierta de barro rojo y oscuro con una textura áspera. La mitad superior tiene forma de dos puntos romos y cuatro tallos se asoman en la parte inferior. Estas esculturas no se hicieron como obras de arte, sino como imágenes u objetos de fetiuche utilizados en rituales en Togo, África. Fueron hechos de acuerdo a una receta establecida. El propietario actual, el artista George Degenhart, comenzó a coleccionar
estas estatuillas no por la historia que cuentan, sino porque pueden ser comprendidas por grandes grupos de personas cuando se ubican en el contexto correcto. La idea de una comprensión universal también se encuentra en sus obras abstractas. Para Degenhart, la historia individual de estos objetos no es tan interesante. Contrario a Degenhart, yo siento la necesidad de examinar la historia de estos objetos, los secretos que puedan tener. Las estatuillas de fetiches a menudo se llenan con una sustancia mágica, vegetal, herbal o con metales (preciosos). Como se puede ver en este trabajo, investigué estas estatuillas –entre otras-, haciéndoles fotografías de rayos X.
La dualidad abordada en esta exposición se refiere a la celebración de la vida frente a la destrucción de la misma. Me identifico fuertemente con el niño, cada vez más curioso, que juega, pero sé que el depredador no puede ser evitado y también vive dentro de mí. Existimos de elementos contrastantes, tenemos un hemisferio derecho e izquierdo, que idealmente colaboran y se complementan entre sí. No creo que los opuestos que encontramos a nuestro alrededor sean auto contenidos; siempre buscarán el lado contrario. Rebis es la unidad de hombre y mujer (deriva de a res bina latina, que significa doble materia). Es el resultado de la purificación alquímica, el proceso de separación de cualidades opuestas.
Esas cualidades se unen como un hermafrodita en un solo cuerpo, como el simpático Windzanger (la estatuilla con la mochila) que en rayos X reveló que probablemente fue brutalmente perforado por grandes uñas. Su barriga, además, está llena de conchas y metal. Por mucho que respete estas maravillosas esculturas, no puedo negar que hacer radiografías de ellas es un acto un tanto violento, una forma invasiva de investigar los secretos que contemplan."
Marcela Varela (COL)
El trabajo de Marcela se ha enfocado principalmente en el dibujo, el cual es una herramienta que permite la creación de propuestas multidisciplinarias. Durante los últimos años ella ha desarrollado proyectos de instalación, cerámica y vídeo, partiendo de temas como lo cotidiano, cosas triviales que llaman su atención, e historias particulares de los lugares donde lleva a cabo proyectos. Estas historias las narra en series de dibujos lineales, cerámicas e historias de ficción llevadas al vídeo, donde expone la fantasía mezclada con la realidad; en todo su trabajo el color, el detalle y el material juegan un papel importante para el desarrollo de cada pieza.
Laura Vargas (COL)
Los proyectos de Laura se basan en su vida cotidiana, sus recuerdos del hogar y su experiencia como madre inmigrante que vive en un pequeño pueblo europeo. Utiliza la ilustración para crear un terreno común con su nuevo país, para comprender su gente y su cultura al tiempo que plantea su propia experiencia.
Laura Peña (COL)
El trabajo de Laura surge de la investigación sobre una población particular que me lleva a identificarme con las comunidades involucradas. Nace de una preocupación: la lucha de aquellos que se ven obligados a vivir a la sombra de la violencia, pero también de la admiración hacia una comunidad que, a pesar de sus condiciones, permanece firme y orgullosa. Una comunidad que mantiene su tecnología, cultura y tradiciones. Una comunidad que merece respeto.
El trabajo gira en torno a la región costera El Choco, una de las regiones más desfavorecidas de Colombia, que también está fuertemente controlada por la violencia del narcotráfico. El control de estos grupos es tan fuerte, que las personas no pueden abandonar sus hogares cuando les prohíben hacerlo.
Mis obras hacen referencia a un grupo de niños llamados "los Matachines". El grupo recibió ese apodo porque realizaba máscaras para ellos y para la comunidad en los dias festivos y bailes de celebración. Daban alegría a la colectividad. Los Matachines fueron invitados a jugar un partido de fútbol en otra aldea... podían ganar premios. A pesar de no tener relación alguna con el conflicto, los niños nunca regresaron y fueron encontrados por sus madres al día siguiente: en bolsas de basura, picados y con rastros de tortura. Se encontró un niño más que no fue identificado, probablemente la razón por la que los Matachines fueron asesinados.
Estas prácticas son utilizadas por grupos illegales para controlar el territorio con temor y violencia. Desafortunadamente, tienen lugar en algunas de las casas "palafito", típicas de la región. Estas son casas de madera construidas sobre pilotes en el agua. La comunidad ha estado construyéndolas durante siglos, ya que son más resistentes al agua, no dañan la naturaleza y son muy convenientes para aquellos que viven de la pesca. Protegen de los depredadores, hostiles y exhalaciones del suelo. También regulan la temperatura.
Después de un luto en silecio de un año, las madres de los niños (y la comunidad en general) decidieron realizar una danza enmascarada con movimientos fuertes, para protestar contra quienes los obligan a vivir a la sombra de la violencia. Sin embargo, el baile también celebra que las víctimas de un conflicto eventualmente se vuelven fuertes. El baile es una protesta de felicidad y memoria que surge del dolor. El trabajo muestra una comunidad que con fuerza se mantiene en pie y que mantiene sus tradiciones, cultura y arquitectura, a pesar de las circunstancias que los afectan al ser su territorio elegido estratégicamente por grupos ilegales (y grupos abusivos desde tiempos de la colonia).
CREDITOS
Artistas:
CAROLINA RODRĺGUEZ (COL)
SOLO EXPOSICIÓN: “DONDE ESTAN LOS NIÑOS”
PETER LAND (DK)
BARBARA RINK (NL)
MARINA LAUWERS (BE)
DOINA KRAAL (NL)
MAITE IBARRECHE (COL)
LUIS HERNÁNDEZ (COL)
MARCELA VARELA (COL)
CARLOS SANTOS, VICTORIA SANTOS, CRISTÓBAL SANTOS, NATHALIA AZUERO (COL)
LAURA PEÑA (COL)
LAURA VARGAS (COL)
Texto introductorio a la exposición: PARCE.
Textos introductorios para las piezas: Directora de PARCE y las artistas.
Texto "Notes on Drawing": JAIME CERON (COL)
Selección de obras / dirección del proyecto por: LAURA PEÑA MURCIA (Director of PARCE)
Organizador: PARCE ART INITIATIVE
Dirección del proyecto y selección de obras por
LAURA PEÑA
DIRECTORA DE PARCE
El exposición que se basa en las conexiones de personas de lugares diferentes. El proyecto se organiza sobre la base de la colaboración, de nuestros propios fondos, los fondos de los artistas y aquellos que podamos conseguir. Estamos tratando de recolectar recursos para ayudar a los artistas en la medida de lo posible a reducir sus gastos, por ejemplo, cubriendo parte de sus boletos de avión y costos de transporte de la obra. Si desea apoyarnos, en general o para un proyecto específico, haga clic en el siguiente enlace para descubrir cómo.