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La exposición tuvo lugar del 5 al 21 de julio de 2019 y se inauguró con una recepción el 5 de julio de 2019.
Los artistas participantes eran de Colombia, Bélgica, los Países Bajos y Dinamarca.
El nombre de la exposición es "Until the Wolf is There", fue nombrada así pensando en la canción infantil que dice: "juguemos en el bosque hasta que el lobo está, el lobo está?”. Luego el lobo responde qué actividad realiza para empezar su día. Mientras que el lobo se prepara los niños juegan afuera. El lobo se levanta, se cepilla los dientes, se baña y se viste. Al final, está listo para cazar y el lobo responde a los niños que ya está. Se los va a comer. Sale a cazarlos y los niños empiezan a correr.
UNTIL THE WOLF IS THERE muestra una dualidad: una rareza. Las obras se ven hermosas, pero profundizan en temas subyacentes más complejos que son el resultado de problemas sociales o personales. Tanto lo positivo (el bosque, la selva, el infante, la familia, la celebración de la vida) como lo negativo (el lobo, el depredador, el miedo, la escasez de recursos, el conflicto) participan en este juego. Algunos de los temas tratados son la privación, la migración, la guerra y el agotamiento de los recursos naturales, pero también los estados mentales que pueden derivar de estas “ineficiencias sociales”: depresión, ansiedad, aislamiento, vulnerabilidad y dificultades para sentir, entre otros.
“No todo lo que brilla es oro”,Refrán popular.
Se reflexiona también sobre la relación de estos aspectos y la infancia. Sin embargo, la exposición también muestra cómo, en contextos complejos, hay individuos o personas capaces de contrarrestar, preservar y resistir. A pesar de los sentimientos que podrían catalogar a alguien como débil, frágil o triste, entre otros; una persona puede ser bella en su fragilidad, muy fuerte y expresar amor -tener empatía hacia los demás-. A pesar de la violencia, los sujetos pueden mostrar una fuerza admirable en forma solidaridad y comunidad (cualidades claves para enfrentarse, objetar y permanecer). A pesar de los continuos actos contra la naturaleza, esta también muestra su fuerza y la posibilidad de vencer.
Finalmente, hay que decir que la belleza de las obras les da una noción de “cuento de hadas” o "realidad surreal”. Este aspecto puede parecer una belleza incómoda y esto, está en dialogo y relacionado con la ubicación de la exposición: el castillo de Langoed de Campagne.
-PARCE
ARTISTAS
Los siguientes textos de la exposición son una mezcla de las propias palabras de los artistas y las palabras de Parce. Por lo tanto, incluyen apreciaciones individuales de cada artista y la perspectiva, los pensamientos y diálogos que la directora de Parce encontró al organizar y crear esta exposición.
Peter Land (DK)
Título: Absolute perfection ("Absoluta perfección")
Año.: 2013
Técnica: silicona, cera, tela, espejo
Dimensiones: 40 x 15 x 20 cm
El trabajo explora las conexiones y yuxtaposiciones entre las ideas de perfección y desempeño.
Gran parte de la práctica de Peter Land se refiere a la delgada línea entre lo real y lo surreal, mientras examina las realidades de la condición humana. Sus figuras le dan al espectador una sensación incómoda aumentada por el hecho que realiza niños pequeños. El uso de la infancia, su ingenuidad y la inocencia de la juventud se contrastan por sus expresiones y posturas muy adultas. Su actitud y apariencia nos confrontan con los ideales adultos de perfección y fracaso, que pueden convertirse en presión y expectativas puestas en los niños. Muestra "una sensibilidad interna y una especie de dureza enmascarada externa que, sin duda, es compartida por Land"
Usándose a sí mismo como su principal fuente de investigación, Peter Land a menudo se traslada a su trabajo, revelando sus propias vulnerabilidades.
La idea del niño que tiene que cumplir con las expectativas puede extenderse a la idea del propio artista como alguien que tiene que actuar y tener éxito para una audiencia. En palabras de Galleri Nicolai Wallner para la exposición Showbizz (2015): "En una realidad en la que el artista, la obra de arte, la institución y el espectador están intrínsecamente vinculados, el papel que el artista desempeña en relación con la obra va más allá de ser simplemente el creador del obra y se entiende como un tipo de figura que puede encasillarse y se espera que cumpla con un cierto conjunto de expectativas. Land le pide al espectador que cuestione sus propios motivos en este paradigma. ¿Qué tipo de carga de expectativas le han impuesto en su papel de Peter Land, el artista? "
"Después de observar la pieza de Land, me percaté que algunos de mis pensamientos tienen voces que tienen su origen en mi infancia. Puedo escuchar en mi propia voz, la voz de mi padre diciendo que sea disciplinada y la de mi madre diciendo que escuche las plantas. Algunas de estas voces han servido a veces como amigas y otras como inquisidoras."
-Directora de Parce
PETER LAND: uno de los principales artistas contemporáneos de Dinamarca. Realiza representaciones, pinturas, dibujos, videos, esculturas con la misma tendencia de tragicomédia.
Las ambiciones y fracasos del hombre en su dificultad para encontrar el equilibrio y el significado son la fuente recurrente de situaciones y composiciones absurdas. Al mismo tiempo, oscura y divertida, desesperada y ligera, Land nunca rechaza los extremos. Nos enfrenta a nuestra propia " humanidad", recordándonos cuánto nos interesa nuestra identidad y cómo puede ser determinada por el fracaso en lugar de convertirnos en nuestro "yo".
El subconsciente y el yo se exploran al difuminar los límites entre los recuerdos y la expresión, a través de juegos y pesadillas infantiles, la desesperación y lo idílico... Lo surreal y lo grotesco encienden una alienación existencial.
El trabajo de Land se ha mostrado en numerosas exposiciones en Europa, Estados Unidos, Asia y Australia, incluyendo exposiciones individuales en Galleri Nicolai Wallner, Copenhague, Dinamarca; The New Museum, Nueva York, NY; y el Museo de Arte Mori, Tokio, Japón. Land representó a Dinamarca en la Bienal de Venecia en 2005.
Marina Lauwers (BE)
"Una cerca, una casa con un árbol, un paisaje desnudo con un árbol, una casa en un acantilado. Esperando en silencio, un mundo extraño en el que Alicia ha entrado. La ilusión del ambiente pacífico que sentimos que teníamos, pero vemos vacío y la soledad. El lobo no es un depredador feroz aquí: está tratando de aferrarse a la ilusión y nos rodea con fiereza, supuestamente amenazando nuestra cultura. La Caperucita Roja está sola ".
-Marina Lauwers
Los cuentos de hadas son la base del trabajo de Marina en esta exposición. Una bolsa de plástico, dentro de la bolsa una casa blanca. Construir capas de protección al mismo tiempo crea soledad, disminuye la posibilidad de amor o de expansión. La bolsa protege contra lo desconocido, pero también prohíbe la entrada de oxígeno: sofoca y puede ser letal. Sus historias hablan de varios temas, entre otros el miedo a lo desconocido, al otro, al diferente, al extranjero o al migrante. Se refiere al deseo desesperado de protegerse a sí mismo en la búsqueda de la felicidad y una vida mejor, pero cómo esto también puede funcionar en contra de sí mismo y resultar en auto-lesión, aislamiento.
Título: Er is iemand in het huis! ("¡Hay alguien en la casa!")
Año: 2015
Técnica: Lápiz y acuarela sobre cartón, papel y una rama.
Dimensiones: 70 X 41 x 14 cm
Título: Het huis op de rand van de klif ("La casa al borde del acantilado")
Año: 2017
Técnica: Escultura: madera, papel, tinta, hilo y ramita.
Dimensiones: 26 x 25 x 8 cm
Título: Kan de maan zien en horen wat er in het huis gebeurd? ("¿Puede la luna ver y oír lo que pasa en la casa?")
Año: 2018
Técnica: Lápiz de pintura sobre madera, hierro, cuerda y papel.
Dimensiones: 20 X 12 x 6 cm
Título: Onder een sterrenhemel ("Debajo de un cielo lleno de estrellas")
Año: 2018
Técnica: Dibujo: técnicas mixtas, pintura y tinta sobre cartón.
Dimensiones: 18 x 19 cm
Título: Wie is er bang van de grote zwarte wolf? ("¿Quién le teme al gran lobo negro?")
Año: 2015
Técnica: pluma estilográfica sobre papel
Dimensiones: 36 x 26 cm
Título: Veilig? ("Seguro?")
Año: 2014
Técnica: Papel, pintura, cuerda y plástico.
Dimensiones: 26 x 25 x 8 cm
Laura Peña (COL)
Título: Matachin
Año: 2019
Técnica: técnica mixta
Dimensiones: variables
Mi trabajo surge de la investigación sobre una población particular que me lleva a identificarme con las comunidades involucradas. Nace de una preocupación: la lucha de aquellos que se ven obligados a vivir a la sombra de la violencia, pero también de la admiración hacia una comunidad que, a pesar de sus condiciones, permanece firme y orgullosa. Una comunidad que mantiene su tecnología, cultura y tradiciones. Una comunidad que merece respeto.
El trabajo gira en torno a la región costera El Choco, una de las regiones más desfavorecidas de Colombia, que también está fuertemente controlada por la violencia del narcotráfico. El control de estos grupos es tan fuerte, que las personas no pueden abandonar sus hogares cuando les prohíben hacerlo.
Mis obras hacen referencia a un grupo de niños llamados "los Matachines". El grupo recibió ese apodo porque realizaba máscaras para ellos y para la comunidad en los dias festivos y bailes de celebración. Daban alegría a la colectividad. Los Matachines fueron invitados a jugar un partido de fútbol en otra aldea... podían ganar premios. A pesar de no tener relación alguna con el conflicto, los niños nunca regresaron y fueron encontrados por sus madres al día siguiente: en bolsas de basura, picados y con rastros de tortura.
Título: Palafito Oscilando
Año: 2019
Técnica: Técnica mixta
Dimensiones: variables
Esta pieza parece inestable, sin embargo es firme. La arquitectura de palafitos se caracteriza por ser autosuficiente. Es ecológica, ya que logra condiciones óptimas de vivienda con el menor consumo de energía y tiene en cuenta la orientación de la construcción, el terreno y la naturaleza colindante. Desde su origen, fueron construcciones pensadas para ser autosuficientes y autorreguladas. Están en estrecha relación con el paisaje y la naturaleza, cuya protección y cuidado es vital para dichas comunidades, es por esto que el palafito -entre varias características- debe ser capaz de reutilizar el agua de lluvia.
Título: Palafito en agua
Año: 2019
Técnica: Técnica mixta
Dimensiones: variable
Los palafitos son herencia arquitectónica y ecológica en América. Según estudios antropológicos, los primeros palafitos se construyeron entre el periodo de 5000 y 1000 a.c. Las tribus indígenas Añú o Parajuanos se conocen como los primeros arquitectos especializados en este tipo de arquitectura. Los palafitos tienen estrecha relación con los manglares, el Manglar Rojo proveyó sus raíces anchas para servir como los primeros cimientos.
Se encontró un niño más que no fue identificado, probablemente la razón por la que los Matachines fueron asesinados.
Estas prácticas son utilizadas por grupos illegales para controlar el territorio con temor y violencia. Desafortunadamente, tienen lugar en algunas de las casas "palafito", típicas de la región. Estas son casas de madera construidas sobre pilotes en el agua. La comunidad ha estado construyéndolas durante siglos, ya que son más resistentes al agua, no dañan la naturaleza y son muy convenientes para aquellos que viven de la pesca. Protegen de los depredadores, hostiles y exhalaciones del suelo. También regulan la temperatura.
Después de un luto en silecio de un año, las madres de los niños (y la comunidad en general) decidieron realizar una danza enmascarada con movimientos fuertes, para protestar contra quienes los obligan a vivir a la sombra de la violencia. Sin embargo, el baile también celebra que las víctimas de un conflicto eventualmente se vuelven fuertes. El baile es una protesta de felicidad y memoria que surge del dolor. El trabajo muestra una comunidad que con fuerza se mantiene en pie y que mantiene sus tradiciones, cultura y arquitectura, a pesar de las circunstancias que los afectan al ser su territorio elegido estratégicamente por grupos ilegales (y grupos abusivos desde tiempos de la colonia).
Los habitantes de las viviendas palafitos, tradicionalmente usan chinchorros para dormir, que son una especie de hamaca realizada con fibra de moriche y cuyo tejido además sirve de medio de expresión y comunicación en la comunidad. En los objetos tejidos puede haber historias, diferenciación de status en la congregación, creencias colectivas, etc. Los chinchorros también marcan momentos específicos de los miembros de la comunidad en varias agrupaciones, en algunos grupos indígenas por ejemplo, el chinchorro se utiliza de forma simbólica para marcar el paso de niñez a adultez. En general, los tejidos en objetos como chinchorros y mochilas son parte fundamental de la cultura en varias comunidades aborígenes de América.
La edificación consiste en inmuebles construidos en el agua, a pesar de contar con tierra firme cerca al territorio del edificio. Estas construcciones se separan de tierra firme para regular la temperatura ya que la tierra se calienta dos veces más rápido que el agua, que además tiene más capacidad de absorber el calor y cuyo movimiento lo distribuye evitando que se acumule. También se construyen en el agua para que los habitantes estén protegidos de ataques de animales y porque el agua –canales, ríos, mar- es el medio de comunicación y sostenimiento principal.
Maite Ibarreche
(COL)
Título: Prueba inicial: Árbol
Año: 2019
Técnica: Matriz de papel. Arches teñido y apilado, montado sobre papel Hahnemüle
Dimensiones: 49 x 57 cm
El trabajo de Maite está relacionado con la forma en que los humanos tratamos nuestros recursos naturales. El trabajo es acción: muestra el proceso de agotamiento. En su pieza, solo se imprime de color la primera capa, drenándola con tinta. Esta capa suministra tinta a todas las capas subsiguientes, hasta que ya no hay más tinta que restar. Así, la primera capa está llena y la última capa casi vacía. El trabajo de Maite habla de cómo trabajamos con el mundo, de cómo nuestra explotación del mundo es insostenible.
"Esta obra busca evocar imaginarios universales a través del lenguaje indicial de la materia misma. En ella intervienen a la vez lo imaginario y lo físico, el exceso y el vacío, la acumulación y el residuo, y la yuxtaposición de diferentes momentos de un proceso. Creo que en estas dualidades, así como en las ligeras pistas que se inscriben en la materia a través de los procesos a los que la someto, es posible reconocer las dinámicas que los humanos llevamos a cabo con nuestros recursos materiales y simbólicos."
-Maite Ibarreche
Luis Hernandez Mellizo (COL)
Título: La Vestidura del Pueblo
Año: 2010
Técnica: billetes doblados
Dimensiones: 15 x 15 cm
Esta pieza forma parte de una serie en la que Luis dobla varios billetes en forma de ropa: la ropa de un pueblo. Los billetes se refieren a temas específicos para el país, por ejemplo, un evento histórico. Los pliegues fueron personalizados para cada pieza. Hay billetes de varios países del mundo, países comunistas y países que ya no existen.
Este billete específico es el del mil pesos de Colombia y que ya no está en producción (sólo en circulación). Muestra el Bogotazo de 1948 y el líder político colombiano Gaitán.
Gaitán fue respaldado por bastante población por criticar a las clases dominantes, prometer mayor igualdad y reforma agraria. Fue asesinado en 1948, provocando una indignación en toda la ciudad que desencadenó en una ola de violencia conocida como el Bogotazo. El Bogotazo causó la muerte de más de 5,000 personas y fue el inicio de un período violento de disturbios políticos en Colombia: una guerra civil de 10 años, conocida como La Violencia.
Luis dobló el billete de tal manera que no se ve a Gaitán sino a su público: está señalando al pueblo. La forma en que se comercializa esta serie es también un acto político del artista. Al otorgar a cualquiera la oportunidad de obtener el trabajo (la venta de la pieza no está restringida por ninguna concesión), Luis desafía el comercio de arte dominado por una clase superior.
Título: Bread and Work ("Pan y Trabajo")
Año: 2018
Técnica: intervención rodillo de pintura.
Dimensiones: varios
Luis parte de objetos e imágenes históricamente asociadas con el concepto de trabajo, como: dinero, productos agrícolas, herramientas y símbolos políticos, y agrega un nuevo significado, a través del cual cuestiona las definiciones de arte, producción, valor, originalidad y legitimidad. Establece una serie de contrastes entre las piezas originales y las intervenciones que revelan su carácter no capitalizable y hablan del trabajo como una acción que se transforma, demostrando que tanto el valor como el significado de los objetos relacionados con la noción de trabajo se dan por asociaciones y significados precisos y que estos, pueden ser anulados mediante alteraciones formales. Así es como se re-expresan la función, el alcance y la relevancia del trabajo como concepto, al tiempo que proponen una reinterpretación de él, mostrando que su significado es mucho más amplio que el de la construcción social en la que se enmarca.
LUIS HERNANDEZ MELLIZO investiga las identidades culturales y los discursos sociales en diferentes lugares, con el objetivo de establecer conexiones entre su trabajo y una clase trabajadora.
Doina Kraal (NL)
Doina: "Una pequeña estatuilla, una figura con la espalda abultada, o una mochila y una cabeza grande, en su exterior parece amigable. Una segunda escultura es bastante amorfa; al parecer está cubierta de barro rojo y oscuro con una textura áspera. La mitad superior tiene forma de dos puntos romos y cuatro tallos se asoman en la parte inferior. Estas esculturas no se hicieron como obras de arte, sino como imágenes u objetos de fetiuche utilizados en rituales en Togo, África. Fueron hechos de acuerdo a una receta establecida. El propietario actual, el artista George Degenhart, comenzó a coleccionar
estas estatuillas no por la historia que cuentan, sino porque pueden ser comprendidas por grandes grupos de personas cuando se ubican en el contexto correcto. La idea de una comprensión universal también se encuentra en sus obras abstractas. Para Degenhart, la historia individual de estos objetos no es tan interesante. Contrario a Degenhart, yo siento la necesidad de examinar la historia de estos objetos, los secretos que puedan tener. Las estatuillas de fetiches a menudo se llenan con una sustancia mágica, vegetal, herbal o con metales (preciosos).
Como se puede ver en este trabajo, investigué estas estatuillas –entre otras-, haciéndoles fotografías de rayos X. La dualidad abordada en esta exposición se refiere a la celebración de la vida frente a la destrucción de la misma.Me identifico fuertemente con el niño, cada vez más curioso, que juega, pero sé que el depredador no puede ser evitado y también vive dentro de mí. Existimos de elementos contrastantes, tenemos un hemisferio derecho e izquierdo, que idealmente colaboran y se complementan entre sí. No creo que los opuestos que encontramos a nuestro alrededor sean auto contenidos; siempre buscarán el lado contrario. Rebis es la unidad de hombre y mujer (deriva de a res bina latina, que significa doble materia). Es el resultado de la purificación alquímica, el proceso de separación de cualidades opuestas.
Esas cualidades se unen como un hermafrodita en un solo cuerpo, como el simpático Windzanger (la estatuilla con la mochila) que en rayos X reveló que probablemente fue brutalmente perforado por grandes uñas. Su barriga, además, está llena de conchas y metal. Por mucho que respete estas maravillosas esculturas, no puedo negar que hacer radiografías de ellas es un acto un tanto violento, una forma invasiva de investigar los secretos que contemplan."
Título: Rebis
Año: 2012-2019
Técnica: Fotografías de rayos X en duratrans y duraclear, vidrio, papel tiza, mdf
Dimensiones: 40 x 40 cm
Título: Windzanger
Año: 2012-2019
Técnica: Fotografías de rayos X en duratrans y duraclear, vidrio, papel tiza, mdf
Dimensiones: 40 x 60 cm
Marcela Varela (COL)
Título: A place to hide (I, II, III) ("Un lugar para esconderse"
Año: 2019
Técnica: Pintura para tela en chiffon.
Dimensiones: 70 x 280 cm
Cuando somos niños escondernos es parte fundamental del juego, fantasear y vivir una realidad sigilosa que deseamos no olvidar. Sin embargo, anhelamos atesorar y guardar celosamente esta realidad de la vista de los demás: del adulto. Durante el juego es cuando aparecen escenarios, personajes e historias que cobran vida de manera espontánea. Los personajes y escenarios que aparecen sobre la tela, forman parte de la fantasía y de un mundo paralelo que existe en mi mente: un bosque en el que lo mágico y lo sombrío coexisten. La tela semitransparente, al igual que un recuerdo, permite ver, sin embargo resulta confuso observar lo que sucede más allá, al igual que saber lo que sucede mientras otros se esconden. La fantasía y la realidad se entremezclan en unescenario que oculta misteriosamente las intenciones con las que ha sido creado. Ahí, entre el espesor de la delgada tela, la artista propone esto como un excelente lugar para ocultarse presa de las miradas, mientras quién observa (espectador) asume un papel de
cazador.
Título: The forest ("El bosque")
Año: 2019
Técnica: ceramica y vidrio
Dimensiones: varios
Serie de esculturas en cerámica , inspiradas en los escenarios y personajes ilustrados. Para Marcela, la escultura es una extensión del dibujo, es una de las maneras más próximas de acercar al espectador al mundo que pretende representar, de una forma tridimensional. La escultura permite dar un paso más allá del papel, sin perder la corporeidad y la sensación física de habitar un espacio..
Barbara Rink (NL)
Título: Spectrum Line ("Linea de espectro")
Año: 2019
Técnica: Instalación: cuerda de sisal (20 mm x 50 m), pintura, pigmento.
Dimensiones: Varios
Spectrum Line juega con las diversas asociaciones que el material -una cuerda -, tiene inherentemente. Tanto las connotaciones simbólicas negativas (muerte, descendente) como positivas (salvación de vidas, ascendentes) son evidentes. Los colores del espectro visible que se aplican en la cuerda agregan un tercer elemento; una conexión con la naturaleza. Es una destilación de los colores básicos que forman parte de cada forma que vemos en el mundo natural. Las plantas, las aves y otros animales utilizan el color para manifestar su lugar en el mundo. Así abordado de manera pictórica, con sus sutiles matices y cambios de color, el trabajo trata sobre cómo nos conectamos con nuestro entorno y experimentamos el espacio. Este obra además investiga los límites y posibilidades de la pintura misma.
Título: Wing Plan ("plan de ala")
Año: 2019
Técnica: Acrílico sobre papel y madera.
Wing Plan muestra dos grandes piezas de papel envueltas en un caballete, una similar a un ala de pájaro ampliada y la otra pintada de forma abstracta con los colores de un cielo nocturno cambiante. Tocan ligeramente el suelo y varias piezas más pequeñas de papel están atadas y tiradas en el suelo. El título juega con la arquitectura, el escapismo, el retorno a la naturaleza. Este trabajo, así como la Spectrum Line, se refiere a dos direcciones simbólicas; Ascensión y descenso. De nuevo, Rink está conectando el color con la forma en que experimentamos el espacio y nuestro lugar en la naturaleza.
En su trabajo de instalación, Barbara utiliza los elementos básicos de la pintura como componentes escultóricos. Ella disecciona la pintura en formas recortadas, degradados, líneas, sombras y luces. Estos se juntan en estructuras de aspecto frágil, que reflejan construcciones de la mente. Sugiere diferentes momentos en el tiempo y que suceden al mismo instante, como desmoronarse y estar en construcción. Investiga procesos orgánicos y cíclicos al tiempo que agrega una calidad performativa a las obras fijas. Conuna perspectiva del pensamiento mágico, considera las posibilidades de la pintura y el color como un medio para explorar el espacio tridimensional.
Laura Vargas (COL)
Título: No quiero desaparecer
Año: 2016-2019
Técnica: Acuarela, Dibujo digital, Adobe Photoshop, Impresión Digital 1/10
Dimensiones: 30 x 30 cm
""No quiero desaparecer" es una serie de animales en peligro de extinción, cuyo objetivo es hacer que el espectador reflexione al enfrentar el problema de la cruel desaparición y la caza de estas especies en un contexto "infantil y pedagógico" en el que no es aparente presentar un lenguaje tan crudo."
-Laura Vargas
¨Esta serie me hace pensar en los cuentos infantiles y sus moralejas, en cómo los usamos para transformarnos en niños otra vez y poder comunicar cosas importantes o incluso problemas a través de la belleza. Es una serie que de alguna manera creo que conversa con el trabajo de Marina Lauwers y Peter Land. ¿Cúando un cuento puede ir
demasiado lejos y generar un miedo inútil? ¿Cómo hablamos de manera que los problemas puedan comunicarse sin causar falta de empatía, miedo irracional o ansiedad? ¿Cómo debemos comunicarnos con los futuros adultos?¨
-Directora de PARCE
Carlos Santos, Victoria Santos, Cristóbal Santos, Nathalia Azuero (COL)
Título: New economics of migration ("Nueva economía de la migración")
Año: 2019
Técnica: Documentación de una acción.
Dimensiones: variable
"Los objetos, y especialmente los muebles, están intrínsecamente vinculados de manera etnográfica al uso que se les da a la sociedad a la que pertenecen. Tomando como referencia el ideal de la Bauhaus de crear "soluciones modernas" para el hogar moderno, ¿cómo podrían los muebles, no importa lo modernos que sean, encajar en un ideal de hogar que se ocupa cada vez más de movimientos constantes, renovación, migración y nomadismo? En esta acción familiar, tenemos la intención de reflexionar sobre la vida de las cosas y cómo una nueva economía surge en base al uso de recursos que son considerados como ruinas de la modernidad ".
-Familia Santos-Azuero
Este proyecto nació de la dificultad de encontrar una casa al mudarse con dos niños a Alemania para estudiar. Durante dos meses, los artistas tuvieron que mudarse continuamente: alojarse en hostales, apartamentos de airbnb, refugios para mujeres y apartamentos para otros estudiantes. La falta de dominio del alemán y el estatus de inmigrantes sin duda hicieron que sus posibilidades de obtener un apartamento fueran aún más reducidas, incluso cuando tenían suficiente solvencia económica. Fue solo a través de la ayuda de una organización que ayuda a los inmigrantes que la familia encontró un apartamento. Una vez transferidos a su nueva casa, se dieron cuenta de que el apartamento no estaba acondicionado con las instalaciones básicas y que tendrían que invertir mucho dinero comprar los muebles para construir su casa y darles una buena vida a sus hijos. Sin embargo, su falta de presupuesto les dio una nueva oportunidad: se percataron de la gran cantidad de muebles en perfecto estado que las personas de la zona dejaban frente a sus edificios para deshacerse de ellos. Poco a poco, comenzaron a construir una casa con estos muebles. Paralelo al proceso de
“amueblar la casa”, surgieron reflexiones sobre la forma en que consumimos y cómo nos relacionamos con la idea de migración.
Carolina Rodríguez
(COL)
"Dónde están los niños" es una exposición retrospectiva de la obra de la artista quien durante más de 15 años ha venido reflexionando acerca de la posición de los niños en nuestra sociedad y como en algunos casos los medios transforman nuestra manera de verlos y relacionarnos con ellos. Carolina utiliza lápices de colores y otros materiales que nos acercan al mundo infantil, sin embargo la mirada que produce es crítica y provoca en el espectador reflexión sobre la infancia en el mundo contemporáneo.
Título: Un dibujo no son todos los dibujos
Año: 2018
Técnica: Dibujo a lápiz de color sobre papel.
Dimensiones: 27.9 x 21.5 cm
En esta serie, Carolina presenta una intervención de espacio específico. El conjunto de piezas se constituye en una invitación a pasar fijándose, a apreciar detenidamente, a dejarse atraer por las obras y a contemplar sus detalles. Gracias al dispositivo concebido por la artista, las obras muestran y al mismo tiempo ocultan parcialmente su contenido. La invitación a observar es más intensa que si estuvieran descubiertas, entre otras cosas porque lo que se ve a primera vista es un par de ojos. Gracias a ese objeto secundario que cubre buena parte de la obra, se genera un retraso y una distracción en la relación con la imagen. Niñas y niños vestidos como adultos; disfrazados de ejecutivas, hombres de negocios, rockeras, vaqueras, navegantes, pasteleros, mujeres de clase alta, parejas, y toda la parafernalia de oficios y profesiones que nos puedan evocar sus vestimentas. Esos trajes se sienten impostados. Y los personajes travestidos en cuanto ocultan su verdadera apariencia de infantes. Esto no tendría por qué ser señalado si no fuera porque no parecen haber sido ellos los responsables de sus atuendos. Es por eso que los niños y niñas que aparecen en Un dibujo no son todos los dibujos hacen, entre otros, ese reclamo. Es como si preguntaran, con tono de decepción: ¿Cuánto tiempo más quieres que pose para ti? ¿No me has visto suficientemente? ¿Qué más quieres?
Título: Chocobreak
Año: 2018
Técnica: objetos para niños de envoltorios de dulces
Dimensiones: varios
"Además de una declaración, este trabajo fue un intento de entender por qué los niños trabajan en la calle. Entendí que era un método de supervivencia. Los niños se visten y se alimentan de lo que venden. Por lo tanto, hice esta serie de la ropa de los niños y los retratos de los niños. Las envolturas de dulces son coloridas y me ayudaron a expresar las dos metáforas que quería mostrar: "Me visto lo que vendo", una referencia a los niños que tienen que vender dulces en la calle para ayudar a sus familias. - y la dulzura que rodea a los niños. Los colores significan "vida" para mí y los colores en mi trabajo dan vida a lo que se ha olvidado. Hoy vemos a niños en diversas situaciones conflictivas: niñas y niños son madres, padres, modelos, prostitutas, soldados. , etc. Parece que vivimos en un mundo sin juventud, sin un principio, pero con un objetivo predeterminado. Creo en la infancia y en el espectro de luz que proviene de su esencia. Esto es lo que trato de materializar en mi trabajo. A pesar de todo sus circunstancias, un niño siempre es un niño. Debido a que su naturaleza es intocable, viva y llena de colores, nada puede cambiar esto. Los medios de comunicación pueden intentar cambiar nuestra opinión sobre esto. Incluso pueden hacernos olvidar, pero nadie perderá nunca su infancia, que siempre está llena de vida y color. "
-Carolina Rodriguez
Título: OH SEÑOR!
Año: 2016
Técnica: Dibujo en color. Cera sobre papel
Dimensiones: varios (gran formato)
Esta serie está inspirada en el libro "El señor de las moscas", en el que queda claro cuál puede ser el alcance de un niño. Así, Carolina hizo estos dibujos en gran formato para que los adultos puedan ver la superioridad y el poder de la infancia.
Título: Súplicas
Año: 2018
Técnica: Dibujo a lápiz de color sobre papel
Dimensiones: 33 x 44 cm
Esta serie está relacionada con las formas en que las creencias de los adultos han afectado a los niños.
Título: Fuego de niños
Año: 2006
Técnica: Dibujo a lápiz de color sobre papel.
Dimensiones: 70 x 50 cm
"Solo una letra cambia el juego "".
-PARCE Director
Título: The Real Maddie ("la verdadera maddie")
Dimensiones: 50 x 70 cm
Esta serie se basa en la modelo adolescente de EE. UU. Maddie Ziegler, cuyas fotos han sido cuestionadas debido a sus posturas y semejanzas adultas.
"Esta serie me recuerda a los concursos de American girl, en los que desafortunadamente una chica fue asesinada una vez. Hubo sospechas de que fue asesinada por personas interesadas en que otra chica ganara la competencia".
-Directora de PARCE
Título:: Dibujos Heridos
Año: 2012
Técnica: técnicas mixtas: mixed techniques: cintas, papeles, lápices de colores.
Dimensiones: varios
Title: Realidad Aumentada ("Augmented reality")
Year: 2010
Technique: color pencil on paper
Format: 22 x 28 cm
Antes de su carrera como artista, Carolina comenzó estudios de derecho en su ciudad natal de Bogotá, Colombia. A menudo, cuando salía de la universidad para ir a su casa, solía ver a niños vendiendo dulces en la calle. Este hecho repetitivo la marcó; no estaba segura de qué hacer al respecto: comprar los dulces o no. Más tarde, comenzó a trabajar con organizaciones de niños y descubrió que algunos niños tenían que hacer esto por necesidad. Los niños afectados desataron su mente y comenzó a pensar cada vez más en la vida de un niño en un mundo de adultos. Por esta razón comenzó sus estudios de arte, motivada por llegar a las personas a través del arte y así llamar la atención sobre el tema / para iniciar una discusión al respecto. Cariolina usa colores brillantes, rasguños ásperos y materiales que encarnan la infancia, con los que trata de acercarse al mundo de los niños. En su trabajo, ella piensa en ser una niña y lo que significa la infancia en nuestra sociedad. Sus obras están destinadas a recordar la grandeza de los niños.
Texto con las obras de Carolina Rodríguez de Jaime Ceron
Jaime Ceron - Notes on Drawing
This is a retrospective exhibition of the artist, who for more than 15 years has been reflecting on the position of children in oursociety and how in some cases the media transforms our way of seeing and relating to them. Carolina uses colored pencils and other materials that bring us closer to the world of children, however the sight she produces is critical and provokes in theviewer reflection about childhood in the contemporary world.
Notes on Drawing
Drawing is one of the few artistic labors practiced by almost every non-artist at some point in their lives. Even the logic of drawing is incorporated into different professional studies in which art is not necessarily the main focus. Artists currently working in the field of drawing have therefore redefined their conceptual scope and analyzed much more closely the cultural span of this practice.
Carolina Rodriguez has assimilated drawing into these extended codes and her images thereforeseem tied toavariety of cultural references. Her drawings are in no way limited to the conventional art world (or art history); rather they converse with a visual culture, more open and meaningful, that encompasses a variety of social and cultural areas. In this way, drawing affords a relaxed approach to the esthetic conventions of the Art World and allows for the identification and transformation of cultural referencesfrom other worlds.
An analysis of her work must take into consideration its resemblance with the graphic morphology of children’s drawings, a fundamental touch originating in a certain characteristic disdain in the intention and intensity of its lines. When a child attempts to represent an event in the form of a drawing he or she works hard, with the greatest of effort and dedication leading to formal results we interpret (nearsightedly)as careless.
When an artist such as Carolina Rodriguez offers us lines resembling those of children, her principles of configuration are obviously different and respond to different interests. Her drawings therefore denaturalize the idea of imitation in art and suggest a kind of cultural mimicry related perhaps to the ideas of Georges Bataille regarding the resemblance between children’s pictures and primitive art (cave drawings especially) demonstrating that the games going on behind representation are linked to positive and negative pleasures. After all, it is impossible to create a drawing without destroying an empty space.
Más información::
+32483342456
https://parcegallery.wixsite.com/parce
@parce.iniciative
@carolinalaquedibuja
El lugar de la exposición, Landgoed De Campagne, es una villa que una vez fue parte de un castillo más grande, habitado por la familia Hamelinck en el siglo XVIII. Más tarde abandonaron el lugar porque un pariente, Louis Hamelinck, fue asesinado allí. La finca incluye varios biotopos, como un estanque, pastizales, áreas forestales y canales, por lo que posee una fauna y una flora muy diversas. El espacio de la exposición está en diálogo con el tema de la exposición.
PARCE Art Initiative es una iniciativa que, entre otros, organiza proyectos de arte, exposiciones y charlas sobre arte.
Como se dijo, en nuestros proyectos tratamos de encontrar lugares que estén en diálogo con las obras. Lo mismo se puede ver en un proyecto de exhibición que hicimos el pasado abril, titulado Debris (Time Contingencies), que fue una exposición en torno al concepto del paso del tiempo y que tuvo lugar en una capilla gótica tardía. Para esta exposición trabajamos con artistas de Bélgica, Estados Unidos y Colombia, y contamos con el apoyo del Embajador de Colombia para el Reino de Bélgica.
CREDITOS
Artistas:
CAROLINA RODRĺGUEZ (COL)
SOLO EXPOSICIÓN: “DONDE ESTAN LOS NIÑOS”
PETER LAND (DK)
BARBARA RINK (NL)
MARINA LAUWERS (BE)
DOINA KRAAL (NL)
MAITE IBARRECHE (COL)
LUIS HERNÁNDEZ (COL)
MARCELA VARELA (COL)
CARLOS SANTOS, VICTORIA SANTOS, CRISTÓBAL SANTOS, NATHALIA AZUERO (COL)
LAURA PEÑA (COL)
LAURA VARGAS (COL)
Texto introductorio a la exposición: PARCE.
Textos introductorios para las piezas: Directora de PARCE y las artistas.
Texto "Notes on Drawing": JAIME CERON (COL)
Selección de obras / dirección del proyecto por: LAURA PEÑA MURCIA (Director of PARCE)
Organizador: PARCE ART INITIATIVE
https://www.instagram.com/parce.iniciative/
Referencias:
*Galleri Nicolai Wallner, "Peter Land - Showbizz (2015)", see: https://nicolaiwallner.com/exhibition/exhibition_85/
*E. Emmert et. al, "Peter Land: Absolute Perfection" Berlin: Hatje Cantz 2013.